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2012/06/16

﹝音響出租﹞專業PA音響器材租借

葛銳特樂器~專業PA音響設備租借、規劃

 

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貝斯音箱  1500元

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麥克風架  300元

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台北市、新北市以內(不含木柵、內湖、新店):1500元

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2011/08/31

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為了推動大家對音樂的熱情,也為了感謝各位對葛銳特兩年來的支持,

我們想讓更多人可以在少一點的經濟壓力下,享受音樂帶來的樂趣!

 


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2014/07/20

﹝轉‧電吉他教學﹞電吉他音箱詳解

  如果沒有音箱,那麼,哪怕是世界上最昂貴的琴,也只是一個啞巴。對於電吉他來說,音箱不但是它的喉舌,也是獲得良好聲音的奧秘之一。

 

Ø 電吉他音箱是什麼

 

  電吉他和木吉他最大的不同是裝有專門的拾音器,其內部由永久磁鐵和線圈組成的,通過琴弦振動切割磁力線而產生與音頻頻率相同的電子信號。不過,這樣得到的電子信號是很微弱的,如果直接把它接到揚聲器上,根本無法變換成聲波。只有將這些微弱的電流進行放大,才能夠驅動揚聲器實現電聲轉換,而擔當這項工作的設備正是電吉他音箱。

 

Ø前級放大和功率放大

 

  一般的家用高傳真喇叭和擴大機是分開的,但是吉他音箱的設計者為了保證聲音的同一性以及搬運的方便,一般都將放大器部分和音箱做在一起,即使不是在同一個箱體內,設計者也多半會通過零件將兩者固定在一起。音箱內置的放大電路一般由前級放大和功率放大兩個部分組成。前級放大針對從拾音器線路中輸出的微弱信號進行整形放大,常常附帶有音調(EQ)和失真(Booster)電路,是高超的吉他手製作音色的秘訣之一。功率放大負責的內容是將由前級電路處理過的信號放大到足以驅動揚聲器發聲的大小,實現最終的電聲轉換。

 

Ø一體化和分體式

 

  所謂一體化音箱就是指將前級、功率放大電路和揚聲器安裝在同一個木質或樹脂質箱體內的類型,現在市面上一般銷售的也都是這種。

分體式則是指將電路部分和揚聲器分開安裝的類型,由於增加了箱體的成本,一般都屬於高級品。

 

  最近幾年,設計者為了滿足樂手們獲得多種不同音色的要求,便將前級放大電路單獨做成外置的產品,使用數位處理電路來類比各類音箱的聲音特點,如Line6 POD等音箱模擬類效果器。有了這樣的外置前級放大器之後,如果你想在錄音室裏獲得Marshall或者Peavey 5150音箱的聲音,就不需要找人去搬你的音箱了。

 

Ø 真空管、電晶體、數位電路

 

  電吉他音箱的放大電路按照所使用的核心元件的不同,可以分為3大類:在前級放大以及功率放大電路中使用真空管的音箱,音色最為溫暖和樸實,是搖滾和藍調樂手的摯愛;使用電晶體的音箱,重量較電子管的輕,音色比較銳利,壽命也更長;利用數位方式進行放大的產品問世不久,普遍具有耗電量低、聲音乾淨的優點,一般都內置有多種合成效果器。

 

  不過,這三類音箱又不是截然分開的,設計師們往往利用這些元件各自的特點加以組合。比如,有些音箱的前級電路使用電晶體,而功率放大電路則使用真空管;也有使用數位處理器(DSP)作為前級,加上真空管功率放大的類型。

 

Ø揚聲器

 

  經過放大電路放大的吉他拾音器信號被送到揚聲器中央的線圈中,產生不斷變化的磁場,這個磁場與揚聲器本身的磁芯磁場相互作用,推動揚聲器錐盆運動,隨之引發的空氣振動便使人耳聽到了聲音。

 

  揚聲器是整個電聲轉換的末端,對聲音的質感(諧波)和量感(低頻)有很大影響。揚聲器的尺寸通常都用英寸來表示,直徑在815英寸之間的產品最為多見,1英寸約等於25.4釐米。

 

Ø背向敞開式和密閉式

 

  這兩個術語是指揚聲器音箱的不同結構。顧名思義,背向敞開式音箱的後部是敞開的,而密閉式音箱的箱體則是全封閉的。前者以Fender的音箱最為典型,後者則是Marshall音箱的特點之一。

 

Ø輸入輸出介面

 

  根據具體型號的不同,音箱輸入輸出介面(input)的數量與樣式會有所不同,不過一般都裝有一到兩個輸入介面(分為高阻抗和低阻抗)、效果器loop端子(可串接外置的效果器)、外接揚聲器介面(連接另一部音箱)和耳機輸出端子。一般採用大兩芯的非平衡介面,錄音室使用的型號也有使用XLR平衡輸出的。

 

  當需要獲得更寬廣的聲壓面時,外接揚聲器介面(output)就派上用場了。你可以通過這個介面和專門的音箱線,連接另外的揚聲器音箱。不過,這時你應該計算一下阻抗值,因為當兩部音箱的揚聲器並聯時,放大電路所驅動的阻抗值就會減為原來的二分之一。如果你的音箱放大器不支持那麼低的阻抗的話,放出的聲音是不會太好的。關於這個問題,你可以看看音箱方面的專業書籍,對於一個吉他手來說,那也是一項很好的修煉

 

  通過前級放大器雖然可以調出一些不同的音色,但如果要大範圍的修正音色則必須使用外置效果器,通常為單顆或數位的踏板吉他專用效果器。在串接這類效果器時,可使用效果器loop,這樣就能在儘量保證音箱原有音色特點的前提下,減低聲音劣化的程度。連接的順序是:環路送出端子(Fx Send——效果器輸入端子(Input——效果器輸出端子(Output——環路送回端子(Fx Return)。

最近幾年,隨著家庭工作室的興起,吉他音箱也發生了變化。限於居住的環境,樂手們往往無法像在錄音室裏那樣用話筒揀拾音箱聲的方法來錄音。所以,吉他音箱的設計者就從前級放大電路中引出一個信號,使吉他手可以直接將這個信號送到數位MTR(多軌錄音機),最大限度地保持音箱所具有的音色特點(實際上是對聲音影響最大的前級電路的音色特點)。

 

  介紹完關於電吉他音箱的一些基礎知識後,為了使大家在實際使用中能夠很快掌握這些知識,我們假設您現在是一位剛剛開始使用吉他音箱的初學者,面對這台從未接觸過的設備,你應該怎麼做才能調出讓人滿意的音色呢?

 

第一步使用好一點的導線!使用帶有遮罩層的信號線連接吉他的輸出端和音箱的輸入端,如果你使用的線材質量較次或者遮罩層太薄是很容易受到外界電磁信號干擾的。

 

第二步打開音箱的電源開關。雖然這是一般的常識,但吉他音箱和普通的家用電器還不是完全一樣,特別是當你使用的音箱是真空管音箱時,打開電源開關後,真空管還要經過一個預熱的過程才能工作,這是由真空管的工作原理決定的,如果打開電源後馬上演奏,次數一多,管子就會提前老化。在電源開關按下去10秒鐘以後,再打開STAND BY開關,就可以正常工作了。如果是使用電晶體或者數位積體電路的吉他音箱,則不需要預熱,因此一般也就沒有STAND BY這個開關了。

 

第三步:如果你使用的這部音箱是以前從未接觸過的,你有必要先確定一下這部音箱的音色特點。請先將調整音色(EQ)的各個旋鈕(一般有3個:HIGHMIDLOW,分別控制高頻、中頻、低頻)調到5”的位置(正中央)。如果你音箱的音調電路帶有增益(不是單純的衰減電路),那麼你應該把每個旋鈕都擰到12點的位置,使電路既不對各個頻帶的信號進行放大,也不衰減。

 

第四步:多數的吉他音箱都有兩個或兩個以上的電頻增益控制旋鈕,即便是最便宜的個人練習型號也不例外。這兩個旋鈕被叫做GainVolume,也有叫成VolumeMaster Volume的。顧名思義,Gain主要用來控制輸入信號的初始放大量,即在前級電路中產生失真類的特殊音色;而Volume則用來控制最終音箱放出的音量大小。你可以把Gain調得很大以獲得足夠的失真,而Volume卻未必需要多大,關鍵要看現場的擴音情況。在這一步的調整中,你仍需將Gain調到5”的位置,而Volume則看你當時想聽多大的音量。如果你感覺失真度還不夠的話,你可以慢慢地增加把Gain調大,但這時音箱所發出的聲音也會隨之急劇增大(因為總的放大量變大了),所以有必要把Volume旋鈕調小一點。總之,這一步調整的目的是製作出讓自己滿意的音箱失真(與使用效果器而獲得的失真音色相區分),同時也必須注意最終音量和失真度的平衡關係。

 

第五步:在完成了上一步音箱失真的調試工作後,我們再回過頭來利用音調電路對失真音色進行細微的高中低頻修正

 

在大部分音箱上都有對高頻(HIGH)、中頻(MID)和低頻(LOW)這三個頻段進行音色調整的功能。

 

音調處理是一件相當複雜而且瑣碎的工作,很多錄音師往往需要花上幾年的時間才能對各種樂器的調音方法摸的比較透,吉他音箱的調整雖然沒有那麼麻煩,但也是很費時間的。所以,為了能讓你和大家的耳朵滿意,一定不要吝惜時間和不斷的嘗試,有時候你明明調整的是高頻(HIGH),而聽感上發生變化的卻在中頻(MID)。某些型號的吉他音箱還裝有調控超高頻部分的Presence旋鈕,以及能使高頻更加清晰的“Bright Switch”開關。但是,如果濫用這兩個控制器,會很容易使聲音變得清瘦,還可能帶來讓人討厭的噪音。所以,一般只在光靠HIGHMIDLOW三個控制器無法調出令人滿意的音色時才作為最後的手段來使用。

 

第六步:經過上面這一番折騰之後,為了使聲音具有一定的空間感,我們可以調整一下音箱的混響控制器Reverb)。

 

一般來說,越是高級的吉他音箱,所附加的各種調整參數越是豐富,不過調整的難度也就更大。比如,像Roland VGA7那樣科技含量極高的吉他音箱,甚至可以通過內部的數位電路運算(DSP)來模擬各種吉他型號和不同的拾音器音色。如果你對現在從音箱中發出的聲音還不滿意,你可以返回到剛才的第三步,根據指出的幾個要點再來一遍。

 

不過,有時候限於時間和你所擁有的音箱的素質,你應該做一些適當的妥協,畢竟幾千塊錢的音箱和你在唱片中聽到的上萬元音箱所發出的聲音肯定是沒法比的。

 

 

轉載自 電吉他音箱詳解


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2014/07/11

﹝轉‧電吉他教學﹞電吉他結構認識

MIDIMALL音樂製作專欄     專欄作家:陳建銘

  琴弦旋鈕:乃是用來調節吉他琴弦張力,藉以調教出所需要的琴弦音高,主要結構採用金屬材質製成,外觀有黑色烤漆、鍍鉻與鍍金處理等方式,高級製品材質與做法都十分講究,因此擁有完善的密閉性,旋轉時手感較佳,當然,調教完成後的穩定性也是不可忽視的重點之一。

  上弦枕:吉他琴弦上方的支撐點,大多是由堅硬耐磨的象牙或是金屬製成,它大致上分成配合搖桿系統的鎖定式弦枕與一般的開放式弦枕,兩者不外乎要能為琴弦提供一個既穩固又無妨礙的支點。

  琴頸與指板:這部份應該算是吉他相當重要的一環,因為它是各位發揮琴藝的重要來源,由於琴頸十分瘦長,卻須反制六條琴弦的拉力,所以多選用質地堅硬的木頭,諸如最常運用的楓木即是其一,甚至有用碳纖維製成的產品,至於琴頸外型的削磨打造,則是為配合手握琴頸的感覺,當然每人的需求會略有不同,所以很多昂貴的簽名紀念琴,便是針對樂手所量身打造,至於是否合用,你還是得要親身一試;此外,琴頸分成兩種長度規格,分別是24-3/4吋、25-1/2吋,這是指上弦枕至下方琴橋的距離,它會導至兩者琴格的距離會略有差異,當然尺吋小可能較適合手型不大的樂手使用。在指板方面,同樣也是需要質地堅硬的木料來完成,檀木與楓木是常見的用料,由於指板在彈奏時與指頭接觸相當頻繁,因此它所產生的觸感就相當重要,諸如複合弧度的指板與知名的凹槽指板等特殊做法,都是為提供吉他手一個舒適的彈奏感覺,所以各位在選購吉他時,除了眩目的吉他造型外,可要特別注意琴頸與指板的結構是否仍正常,和是否和你的手感相吻合。

  補強條:剛剛提到過琴頸與指板需要反制六條弦的拉力,因此採用質地較堅硬的木頭,但為避免日久變形而不堪使用,在琴頸與指板之內會放置一隻補強鐵條,用來支撐與調整琴頸,至於供調整的裝置,則有安排在琴頸上分或是下分與琴身結合之處。

  琴格:主要是由鎳合金製成,指板上常見的有212224琴格三種,而不同吉他所採用的琴格高度與形狀也會有所不同,這對不同的彈奏手法或是樂手來說,可能會產生一些微妙的差異。

 

  琴頸接合:琴頸與琴身接合的方式共可分成鎖合式、膠合式與貫穿式三類,其中鎖合式最為常見,雖然有琴弦震動漏失較多的缺憾,但由於製作方面較不費工夫,而且修理更換容易,因此還是甚受歡迎;膠合式的代表可說是Gibson這個廠牌,此法乃是三者之中的折衷之作,不過在保護上要多加注意,因為若是有所損傷,修理可是相當大費周章;貫穿式則甚為少見,琴頸貫穿琴身是由同一塊木頭製成,因而對細微聲音的延續功效最佳,不過造價可是三者最高,而且一但不慎摔傷,要修復就難上加難了。

  拾音器:電吉他之所以能夠藉由擴大機發出偌大聲響,便是經由拾音器感應震動而產生電平輸出,各類拾音器外觀雖有不同,但內部主要是由漆包銅線纏繞而成,銅線材質與纏繞圈數的不同,則會導致不同的聲音特色;在結構上可分成單線圈與雙線圈兩類,一般來說,單線圈音色較為清脆明亮,輸出電平較小,雙線圈音色則是厚實有力,輸出電平較大一些,不過這是以被動式結構的線圈而言,因為還有一種直接在拾音器中附加主動線路的線圈,赫赫有名的EMG便是最佳代表,它利用特殊的線路設計,在訊號輸出吉他前,便由主動線路控制阻抗、抑制雜訊,因此深獲許多樂手的青睞,不過價格當然也較高一些。

  琴身:材質主要有楓木、白楊木、赤楊木、桃花木等等,由於琴身會和琴弦的震動產生共鳴作用,因此也會對吉他的音色產生影響,一般說來,如質地較硬的楓木會有較清亮的音色,而質地較軟的桃花木音色則較為溫厚,彼此間品質難有優劣之分,至於何者為宜,端看個人的音色品味而定。在琴身製作上可分成實心、半空心與空心三種模式,主要也是取決於彼此的音色不同,因而可因應不同形式的樂風來搭配使用。

  控制開關:主要是用來切換拾音器與控制音量、音色,各廠牌或是型號的做法也都也所不同,各位買了琴後,應該花點時間去體驗一下它的作用與音色變化,熟悉後才可藉此演奏出不同需求的音樂表情。

  琴橋:此處乃是琴弦下方的支撐點,多數是採用金屬材質製成,可分成固定式與搖桿式兩種,兩者可說是各有擅長,固定形式有著較為穩固的基礎,因此對琴弦來說,比較沒有走音的顧慮;另一種深受年輕朋友歡迎的搖桿形式,則是藉由彈簧拉力來與琴弦拉力保持平衡,在音準上或多或少較不易穩定,不過它具有升降音的特異功能,卻也是固定式琴橋所難以企及。

  看過以上對電吉他主要部份的細部說明,相信各位已經可以有一些基本概念,這可作為你選購吉他時的參考,若是手邊已經有吉他的人,也可以針對上面所述及的部份,好好比較參照一番,或許可以從中發現不少新知。

 

 

轉載自 電吉他結構認識


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2014/07/05

﹝轉‧電吉他教學﹞認識電結他的構造

認識電結他的構造,尤其是它的木料對電結他的影響。


         每支電結他可分為很多部份:它們包括(PegheadTuning MachinesNutFingerboardNeckNeck PlateCover PlateControlsJackPickupsBodyPick GuardTremolo SpringsBridgeTremolo Bar

  當要去選擇一支電結他時,最重要我們應留意三件東西,這包括:
    (1) Neck & Fingerboard
    (2) Body
    (3) Pick-up & Bridges

  平常我們行過通利的電結他部,認真五花八門令人眼目潦亂,結他林立的長廊掛滿著各種牌子各樣顏色的電結他,對一個新手來說,除了看看那些明星用那一支電結他,如近來謝哥哥喜愛用ibanez steve vai jemjoey tang,有時會用下parker,周華健叔叔又用下gibson L5咁,確實讓我們知道那支結他是當時得令。除此之外,有時我們都是參考長輩的建議而選購,但希望看完這篇文章,您再不要這般盲摸摸,從而可因自己喜好而選擇合適的電結他。
 


(1) Neck & Fingerboard(暫譯:頸與指板)


  頸木的選擇實在是每支結他的選擇重點,電結他聲音的質素很倚賴指板的木質。基本上木質愈厚密度愈高,聲音就愈明亮;相反地木質愈薄密度愈低,聲音則較暗淡。指板大體可分為:
    a) 紅木(Rosewood
    b) Maple
    c) Ebony * 筆者最喜歡的木質
    d)石墨
    e) Pao Ferro


  您選擇以上任何一種木,都直接影響您支電結他所產生出來的音色,正如以上所講,木質密度愈厚則音色愈明亮。

 

(a) 玫瑰木
  每種木所產生的聲音音質卻截然不同,玫瑰木非常重,密度高較共鳴及洪亮!就筆者觀察所得好的玫瑰木Rosewood(例如巴西頂級玫瑰木,其紋狀清淅可見,而且顯得非常畢直,顏色偏向橙啡色)它所產生的聲音非常響亮,音質尖而亮,因此能將微小的聲音傳送到更遠的地方,較開揚及奔放,例如頂級的martin taylor鋼線木結他,可了解其發揮了木結他聲音最醉人之處,產生奔放玲瓏細緻及清脆的音質。相對較為質差的玫瑰木(如indian rosewood,有較鮮色也有較深色的偏向紫啡色)則令人覺得不單乾澀而且單簿,沒有奔放明亮之餘更是尖崩un耳,所以要選擇玫瑰木的電結他,請留心選擇若較幼紋明亮的方可選擇,太多裂紋或起白及黑紋則為次等貨色,聲音會有明顯的差別!若一支好的玫瑰木,其高密度所產生的高質是很適合一個擅長玩solo的結他手選用,不過價錢也相當昂貴,當然啦,一分錢一分貨。

 

‧(b) Maple(槭木)
  楓樹割下的槭木,經常會被製造成電結他的指板,fendertele series就有很多款色都是由maple一手所包辦,maple的用途非常廣泛,例如弦撥,佛羅明哥及古典結他,而含有bird eye的槭木則更罕見多用在美國的弦撥結他,而flammed maple則多用在各種不同的結他之上。由於maple木不易打理及容易污糟,因此多數都被塗上一層薄膜以資保護之用,maple之聲音分野很大,就筆者觀察所得,聲音較暗較軟有怨靜和諧之音,配上tele pickup,所產生出來的效果是很浪漫暗淡深邃及醉人的,筆者也有不少maple木的電結他尤其是telecaster佔多數,若純以勾指的角度看,一支maple tele勝過任何rosewood tele(純屬個人喜好)maple的聲音沒有玫瑰木的明亮,卻比玫瑰木更細緻及幽怨,不喜歡站在人前只喜歡默默耕耘的結他手非常適用,因為它沒有rosewood般先聲奪人,卻慢慢地靜靜地暗暗地牢籠人心,maple之醉人之處是也!

 

‧(c) Ebony
  黑壇樹的烏木,在筆者眼中及耳中均是最喜歡最喜愛最心動最吸引的結他指板選擇材料,為何這般獨愛,自從筆者有了第一支fender custom shop made robben ford ultra sp我就跟ebony難分難解了!
  Ebony是一種很多結他選配的木,但當然有它的限制。它較玫瑰木遜色之處,在於同一個環境情況下,它的收縮及擴張程度遠大於玫瑰木,而且它的頂部或邊垂都很容易爆裂,因此不少好的結他不敢對ebony存太高厚望,因為其耐用性較優質玫瑰木低,雖然如此若小心保養也沒有什麼大礙的這只是耐用性的相對 論小心地用到您老死傳多幾代也沒有問題。
  Ebony烏木最引人之處就是其細膩,連最細緻的感覺它也能觸及,它有如您的指頭,它反應您就如您的反應一樣,您一動它就一動,它與您尤如置身一體般,其聲音的細緻動人,絕對是一等一studio的級數,它不先聲奪人也不默默耕耘,它就如一個天使為您化身美妙的樂章般,配合如jazz chorusmatchlessfender reverb,這些靚聲時,那種渾然忘我就是支持我繼續玩結他至死的原因,當您把眼睛輕輕合上,指尖輕觸弦線,其振動所散出的優雅聲音,將引導您進入音樂的萬千世界,仿如隔世,這就是烏木最動人之處!句句屬實並未有可誇之言!

 

‧(d) 石墨
  石墨這種木本人所見甚少,只是在近年的parker上觸及,從聆聽parker所得,石墨的聲音很透徹及清新,沒有帶來多餘的質感而且透明度很高,彈性很大,無論配合鋼線聲或電結他聲都發揮到各種特色,有人嫌它沒有質感,有人嫌它沒有風格,就筆者感覺,它還有發揮之處,但實在很少其他結他用上這種指板,所以這種木質還有待發展,其輕身,是很大的優點相比起les paul 那支笨重結他parker加石墨實在是一個很好的賣點!

 

‧(e) Pao Ferro
  木質與玫瑰木相仿,色澤較玫瑰木更淺而紋路較為紊亂不及玫瑰木的井井有條,而木紋上有碎點有深有淺有斜紋,而聲音方面沒有玫瑰木的明亮,聲音較實淨及硬朗,由於筆者對pao ferro的認識不深不敢在此妄下判斷,以免影響讀者之嫌,恕在下才疏學淺,希望有識之士對pao ferro有所認識,不妨寥寥數字讓我們對它有更深認識,謝謝!

  其實除以上的五種木還有很多木是用在結他上,不過不一定在指板的部份,例如:SpruceCedarFirRedwoodHonduras mahoganyPhilippine mahoganyWalnutOakBirchSpanish cypressBasswoodPoplarWood Purlfing etc。以上種種木分別用來製造結他的背部、側部、頸部、頭部、身部支撐物、線位橋位接駁位等。

  除了留意指板的木料外,還有其他要留意的地方,您每見一幅指板分成很多格數有212224甚至可度身訂造更長的指板,您要留意您所玩的是甚麼類型的音樂,若是以流行音樂居多的話,則24格較為適合,若喜好blues & jazz或只是用來掃chord的話,則選擇2122已足夠了。

  而指板上所分成每一格銀色打橫的柱子叫做fretfret通常由高質鎳銀製成,可製成不同的高度及闊度,愈大的fret較容易推線,愈細小的fret較接近vintage結他,較容易按chord

 
  此外,指板上還有tuning machines,即上線的調較器,有分為Vintage Tuning MachinesStaggered Vintage MachinesCast/'Sealed Tuning MachinesLocking Tuning Machines

  而在美觀方面指板上還有所謂INLAY,在近十年的結他界裡,雖然INLAY 並沒有任何力量影響音色,但卻顯得愈來愈重要,可能我們較重視外表及包裝。PRSBIRD INLAY舉世馳名,此外更有DRAGON INLAYFLOWER INLAYANIMAL INLAYCAR INLAYANIMATION INLAYCOMMON DOT INLAYEAGLE INLAY等等,這對欣賞一支靚的電結他確實起了修飾之用,其實每個結他手都希望自己的技術,結他也是與眾不同,才顯得樂手之個人風格,INLAY少不免成為當今電結他指板上不可少看的一環。

 

 

轉載自 認識電結他的構造


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2014/06/18

﹝轉‧電吉他教學﹞選擇你的第一把琴


 
  在各地的樂器行中,常會看到一些怯生生的同學,問著「這把吉他要多少錢?」,而第一次走進教室的學生,九成以上已經擁有生平中的第一把電吉他;在幾年的教學生涯中,通常第一句話總是問「你為什麼想要學電吉他?」,因為電吉他並不是家長會主動「安排」來學的樂器,所以一般選擇學電吉他的學生,自主性都很高,不像學古典樂器的學生,總是家長接送(或是逼送)來上課,也因此這個學琴的目的也就特別重要了。
 
  前面概略談過吉他的發展歷史,也提到了電吉他的種類繁多,如何去選擇適合自己的一把琴,似乎也就沒有這麼簡單了,但是,在台灣的特殊環境下,許多人所選擇的卻又都是「樂器行老闆決定」的一把琴,怎麼說呢?買第一把電吉他的學生,大都完全不認識這樣樂器,可能只是單純的迷戀某個偶像,或是還分不清什麼是電吉他或是木吉他,卻已經被商家引導買了第一把電吉他。
 
  誠如我告訴學生的一個例子,假如你根本不曾接觸過摩托車這交通工具,當你走進車行,老闆推薦你一輛車子,告訴你這車子可以跑到時速200公里,而且「犁田」時人不會受傷,這時消費者是有可能相信的,但是假如你是個已經瞭解機車的人,恐怕你會在腦海中浮現一堆疑問,它的引擎是幾cc的?馬力數值是多大?有什麼樣的安全裝置?諸如此類的反驗證。
 
  就因為在如此的以商業行為引導消費的情形下,在教室中我常看到一些令人心疼的畫面,學生希望能跟「Eric Clapton」般的彈些藍調音樂,但是他手上卻是拿著一把聲音超猛又有著大搖座的「Metal」琴,此時實在不知道該如何去說服自己,這樣的消費行為是應該存在的。
 
  對於「如何選擇一把琴?」,我的回答通常都是「你想拿這把琴來做什麼?」,因為個人認為沒有不好的商品,而只有適不適合的問題,在此很期待台灣的流行音樂教育環境,能夠早日脫離附屬於樂器銷售體系下,而學生也能體認到,先上課認識了電吉他這東西,再依據自己的預算選擇適合自己的樂器。
 
 
 
  基本上雖然電吉他的型式眾多,我們仍可以根據一些模式尋得一把適用的琴,首先當然是想用他來彈些什麼,不同的音樂型態,所適合使用的音質特色也不盡相同,我們分幾個部分來探討:
 
一、 材質的搭配:
 
  琴身的木材種類會影響聲音的頻率響應,例如楓木(Maple)的高音較明亮清晰,桃花心木(Mahogany)有厚實的中低頻,而在指板的材質上也有手感的差異性,常見的有楓木、玫瑰木(Rose Wood)、黑檀木(Ebony)等等,當然這部分也關係著音色與價位。
 
二、 拾音器(Pickup)的搭配:
 
  拾音器可說是吉他的麥克風,當然在聲音的表現上舉足輕重,單線圈的音色清脆單薄,雙線圈的音色厚實,而各大專業拾音器品牌,更是詳細的分出更種不同特色的型號,不過,值得注意的是,也有一些學生受到不完全正確的知識影響,認為只要將琴身上的拾音器換好一些,就可以得到很棒的音色,這是不對的,舉個例子:一個天生唱歌就會走音,音色又不好的歌者,當它使用一支很棒的麥克風時,只會更忠實的將其缺點傳達出去,反而使用較差的麥克風,或許在模糊的音色下,比較聽不出聲音的缺點。所以換拾音器並不是萬靈丹,此外也要考慮拾音器的配置,是三個單線圈或是二個雙線圈的組合,或是二單一雙的組合。
 
三、 琴體的構造:
 
  雖說電吉他的外型華麗多變,但是在基本上琴身與琴頸的的接合方式,分成鎖接(Board On)、固定接合(Set Neck)、通過琴身(Through Body)三種方式,不同的接合方式也會造成琴身共震的改變,一般是以通過琴身的方式較昂貴,不過也不是貴的就是好的,記得,適用的就是最好的。
 
四、 琴橋(Bridge)的樣式:
 
  這部分是木吉他所不會遇上的問題,因為木吉他都是固定的琴橋,電吉他除了固定式的琴橋外,還有小搖座與大搖座的分別,也就是所謂的「Tremolo Arm」,不同的系統可以製造的震音幅度也有不同,現今市場上的大搖座包括了上弦枕的鎖定,都是出自「Floyd Rose 」這品牌,無論任何廠牌要生產類似的商品,都必須跟他買認證權利,當然也不是擁有複雜的搖座系統就是好琴,搖座可以增加許多演奏的變化,但是也相對的犧牲了一些琴的延長音,所以老話一句,「需要才是選擇的依據」。
 
五、 其他零配件:
 
  好比選擇一輛汽車般,一般車輛會有陽春形式,或是豪華版本的特殊裝備,電吉他也是,是不是需要這些華麗的或是特別的配備呢?我想荷包是個決定的因素,視您的經濟能力囉。
 
 
轉載自 認識電吉他

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2014/06/18

﹝轉‧電吉他教學﹞認識電吉他

  說起吉他這東西,歸功於市場的普及與平民化,讓大多數的人對它都不陌生,也因為在民國六十幾年至七十幾年時,鼎盛的校園民歌,更讓千萬莘莘學子總想像著抱支吉他,在夕陽餘暉中,彈唱著多愁善感的青春。早年的校園中,大家所使用的多是木吉他,有尼龍弦的也有鋼弦的,琴身有著厚厚的共鳴箱,不需繁雜的設備,不管在哪兒都可自在的彈唱。
 
  在吉他的發展歷史中,約在西元1500年時,一種10或是12條弦的撥弦樂器誕生(是2條弦一組),不大的共鳴琴身,雕琢精緻的響孔,琴頸上也已有了琴格,這樣的形體已經具備現代吉他的雛型,直到西元1700年左右,出現的「西班牙吉他(Spanish Guitar)」,基本上就是現在大家常見的「古典吉他(Classic Guitar)」特徵是琴頸與琴身相接在第12格琴格,有著葫蘆狀的琴身,琴頸寬且厚,使用的琴弦聲音溫潤厚實,現代多是使用尼龍材質(1~3弦),早年應是使用動物的腸子所製作的琴弦。
 
  而在十九世紀後,一些新的改良的吉他出現,這些琴有著更大的琴身,較細的琴頸,這樣的變化讓演奏較容易,音量也因為共鳴箱的加大而得到改善,而在製琴師傅的設計下,支撐琴身面板的響條也有不同的配置方式,另一較大的改變是琴身與琴頸相接在第14格,且琴弦全部改成了金屬弦「Steel String」,如此得到比較響亮與清脆的聲音。
 
  在西元1894年成立的GIBSON公司,在優秀的製琴師傅「Ovell Gibson」領導下,為了解決吉他音量不足的問題,不斷增加琴身共鳴箱的大小,會增加演奏上的困難,加上電子科技日趨成熟,因而發展出「Archtop」的吉他,這也是最早期的電吉他,在空心的琴身上,裝上了磁鐵與漆包線作成的「Pickup(拾音器)」,將訊號經過音箱(Amp)而得到放大的效果,這樣的吉他聲音有著琴身的共鳴,卻又加上了電子放大的科技感,與傳統吉他有著很大的不同,也開創了吉他這樂器的新生命,因為音量的增加,在樂團中吉他的地位不再只是伴奏的位置,也可以是很好的獨奏的角色。
 
  不過因為空心的琴身,很容易會造成「迴授(Feedback)」,在現場的控制上造成一些技術上的問題,在西元1948年由「Leo Fender」所成立的公司,將琴身改成使用實心的木材,厚度約在5公分左右,如此解決了Feedback的問題,且造成了整個吉他歷史的改變,這樣的吉他我們稱為「Solid Body」,為了高把位的彈奏,琴身造型也做了改變,整個琴頸也增加到21~24格,在後來的50年發展中,更是有了各式各樣的改變,拾音器有單、雙線圈,琴橋也由固定式增加了「搖座(Tremolo Arm)」,當然琴身造型更是千變萬化。
 
  除了琴體的改良與變化外,也因為科技的日新月異,讓吉他所能發出的聲音,已不可同日而喻,音箱的設計更加精細,以及各種改變聲音的「效果器(Effect)」問世,讓每個彈奏者都可以發揮無限創意,也造就了眾多的吉他英雄,而各家獨創的演奏手法,讓人眼花撩亂,這也是當今年輕學子不再以一把木吉他而滿足的原因,小型樂團的盛起,讓舞台的表演也有了革命的改變,這也是我們要談論的主角「電吉他」興起的原因。
 
 
概略的敘述了些吉他的發展歷史,談些輕鬆與常見的問題:
 
Q:電吉他要插電嗎?要用幾伏特的電壓?
 
A:電吉他本身並不使用電源,但是「音箱」必須使用電源,在設計上是可以符合各國不同的使用環境的,不過有一些品牌的「拾音器」因為配有放大線路,所以必須使用電池來當做電源,所以吉他身上是有可能要裝電池的。
 
Q:電吉他會電人嗎?
 
A:基本上是不會的,因為我們所使用的「導線」傳輸的是微弱的訊號,並不是電力的傳導,但是若舞台設備上有漏電的情況,還是有可能感覺到輕微的倍電到的感覺。
 
Q:電吉他可發出很多不同的音色?
 
A:ㄟ…電吉他若沒接上音箱,所發出的聲音恐怕連蚊子都比它大聲,所以事實上所有音色上的變化都是來自聲音的放大過程,也就是在音箱與效果器上,電吉他本身可是沒有這麼大的神奇能力的。
 
Q:要學電吉他是不是該先學會木吉他?
 
A:應該是不用的,在彈奏方式訓練上,與木吉他不盡相同,且因為台灣地區的木吉他教育,為要普及推廣的因素,簡化了很多的基本訓練,所以反會是一種阻力,但是,一個全方位的吉他手,應該對木吉他也要有一定程度的熟悉,所以…….要學的可還真多呀!
 
Q:學電吉他是不是要花很多錢?
 
A:在樂器行中,不只一次遇過學生家長陪同學生來買琴時,希望能找到便宜的吉他,不過還補上一句「假如學的是鋼琴或是小提琴,買貴點的琴也沒關係」,那感覺好像是吉他這樂器只可玩玩,不像鋼琴與小提琴那般的值得投資,這往往不得不叫筆者提出自己活生生、血淋淋的例子,小時候父母栽培了數年的小提琴,早不知丟到那兒去了,反而現在是靠著當初被父母所排斥的吉他,支撐著三餐的飽暖;跟古典樂器相比較,電吉他並不算是昂貴的樂器,學費的花費上也是便宜許多,放心的去接觸吧……
 
 
轉載自 認識電吉他

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2014/06/18

﹝轉‧爵士鼓教學﹞口訣唱拍

  唱拍對打擊手來說,是必要的練習項目。當我們練習節奏(Groove)與過門(Fill in)時要配合唱拍,也許有人認為反正歌熟悉的很,唱不唱拍無所謂。殊不知有唱拍練習可以使得:

1.音樂旋律穩定持續進行。

2.陌生的曲子很快就能上手。

3.高級的音樂技巧得以發揮。

4.視譜唱拍能瞭解手順及打擊速度快慢之極限的問題。

練習方法

  使用各種打擊樂器的聲響來唱,這也是一個學習的好方法。節奏課老師以敲奏實際的打擊樂器來讓我們聽寫外,我們也必須學著運用樂器的聲響將節奏唱出來。例如框、親、咚、孔、空、勾…或是模仿拉丁樂器的聲音如Conga、Bongos、Clave…等。無論何種樂器之樂手都會因此練習而增強了不少點子與功力,更何況是鼓手喔!

  有很多鼓手在演奏時都會有好多「董董…噎噎…搭七」的聲音?其實應該說他們都在唱鼓的律動(Groove)。因為鼓手腦子裡所想的就是手正在打的節奏律動,所以鼓手也同樣會唱著自己所打的節拍。當然你不用一定要跟著依樣畫葫蘆,若是習慣唱在心裡,仍是可以的。所以囉!想要學好爵士鼓,光練樂器、光聽音樂是不夠的,從今天開始讓你的嘴開口唱吧!順便也搖搖屁股、扭扭肩膀!

  以爵士鼓來說,無論是節奏(Rhythm)或是過門(Fill in),皆先以口唱熟,再寫下譜勤練不怠,而口訣唱拍練習也可以說是節奏練習的入門班。

1.大鼓(Bass drum):可以用口唱成"董"的音。

2.小鼓(Snare drum):唱成"搭"的音(小鼓上響弦Snare),打小鼓邊(Rim),可以唱成"勾"的音。

3.小中鼓(S Tom Tom):可以唱成"東"的音。

4.大中鼓(B Tom Tom):可以唱成"洞"的音。

5.雙片鈸(Hi-Hat):可以唱成"七"的音。

6.鈸(Cymbal):可以唱成"唱""嗆"的音。

以下之4個節奏(Rhythm)為例,可以唱成

轉載自 口訣唱拍


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2014/05/31

﹝分享﹞臺北市立交響樂團第十屆明日之星甄選

臺北市立交響樂團第十屆明日之星甄選簡章

活動宗旨:

  為培育臺灣傑出青少年音樂人才,臺北市立交響樂團持續辦理「明日之星」,透過甄選之形式,遴選出臺灣優秀青少年音樂家,並提供其展現才華之機會,以拓展其音樂演奏生涯,邁向國際舞臺。

甄選樂器:

  木管:長笛、雙簧管、單簧管、低音管。
  銅管:法國號、小號、長號、低音號。
  打擊:馬林巴木琴。

報名資格:

  1. 具中華民國國籍。

  2. 1991年1月1日出生起至1997年12月31日止(民國80年1月1日至民國86年12
   月31日之期間內出生者)。

  3. 精通演奏長笛、雙簧管、單簧管、低音管、法國號、小號、長號、低音號、
   馬林巴木琴。

報名方式:

  1. 繳交報名文件:

  (1)報名表:紙本一份(需黏貼2吋照片)。

    報名表請由本團網站下載第十屆明日之星甄選報名表word檔,填寫詳細資料後,列印A4紙本一份。

  (2)身分證正反面影本一份,如無身分證,則繳交健保卡或護照影本。

  (3)推薦信兩封。

  (4)甄選曲目需註明版本並附樂譜影本一份。

  (5)補充資料(非必要):重要演出、比賽、獲獎等紀錄。

  2. 報名日期:即日起至103年6月20日17:30止,親自報名或通訊報名(以郵戳為憑),文件如不完整恕不受理補件。

  3. 報名地點:10554臺北市松山區八德路三段25號7樓,臺北市立交響樂團研究推廣組。
    信封請務必註明「第十屆明日之星甄選」、「甄選樂器類別」與「甄選者姓名」。

錄取名額:

  經評審團同意後,擇優錄取。

甄選辦法:

  1. 資格審查:由主辦單位審理報名資料,未通過資格審查者將不得進入初選,審查結果將另行於本團網站公告。

  2. 初選及決選:

  (1)皆以實際演奏方式進行評選。

  (2)決選之曲目請選定一首,須與報名表上所填寫之選定曲曲目相同(曲目請由臺北市立交響樂團第十屆明日之甄選簡章甄選曲目中選取)。

  (3)甄選之演奏時間及段落,於賽前評審會議決定,並於甄試現場公佈。

  (4)一律背譜演奏。

  (5)自備伴奏。

  (6)除馬林巴木琴及鋼琴由本團提供以外,一律自備樂器。

  (7)決選名單於初選後當日公告於本團網站。

  (8)優勝名單於決選後第二個工作天公告於本團網站。

甄選時間:

  1. 初選:103年7月19日(週六)分木管組、銅管組、打擊組進行。

  2. 決選:103年7月20日(週日)

  3. 初選流程時間表於102年7月9日(週三)本團網站上公告。

  4. 甄選順序於報到現場抽籤決定。

甄選曲目:請詳閱各組指定曲目如附件。

     初選一首指定曲。決選為2-3首指定曲,由參賽者自行選定一首曲目,初賽及決賽皆須準備完整曲目。

甄選地點:本團六樓、八樓練習廳。

獎勵方式:優勝者將由臺北市立交響樂團安排演出協奏曲,音樂會時間另行通知。

註:(1)演出日期及地點將由本團安排,如不能配合者,視同棄權。

  (2)與樂團排練及演出期間,不提供交通、住宿。

 

地址:10554臺北市八德路三段25號7樓

電話:886-2-2578-6731

傳真:886-2-2577-8244

網址:http://www.tso.taipei.gov.tw/


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2014/05/31

﹝轉‧爵士鼓教學﹞練習的效率

  鼓聲總是能吸引人的耳目,是因為來自母親原始的心跳聲。而打擊樂器有最堅固的律動架構人,每一個音符,每一小節,均是為了建立起重要的觀念而做。看似簡單的一個手法,一個技巧,或一個小節,需要長時間之練習及實際演奏才能了解活用;觀念的體會,鼓藝之培養,比埋頭苦打,只求速度重要多了。

  精通和會是不同的層次,換句話說,必須對於某個技巧領域有通盤透徹的了解。能夠精通一種爵士樂,不會是你在學校裡分析了幾張CD,或是學了幾種Pattern,不會是三年、五年,而是長時間鑽研,活在裡面。最後身、心、靈才會慢慢的有音樂性。至於會的門檻則低得多,經過一段時間的研習知道這個節奏,並且可以打出來,可稱之為會,就是及格。至於「精通」呢,要精通一種音樂真的不經一番寒徹骨,焉得梅花撲鼻香。

一、練習法

  樂器中最需要4肢分離的樂器就是爵士鼓,它是相當有挑戰性的樂器,因為演奏時需要:

1.四肢分離:是指四肢的動作不會受彼此的牽絆,可以完全獨立,猶如4個人同時打4個樂器。

2.四肢協調:是指四肢的互相配合,左右手與左右腳力道與快慢一致並且平衡。

3.先在自己的大腿、身體徒手練習節奏、過門與基礎打點,再實際打擊真鼓,可事半功倍。

4.先將所要練習的節奏與過門,先以口訣編唱出來,再以口訣練習。

5.平常練習的速度由快到慢,慢到快,快到慢……,此循環性練習為增強熟練度的方法。而且牧師或領會者隨時會依敬拜的水流來改變詩歌進行的速度與強度。如果只練單一個速度,常常會造成要快快不起來,要慢慢不下去,形成拍子脫節的窘困。

  由此看來爵士鼓要打好恐怕得花很大的功夫,但是如果有效率的練習,相信可以事半功倍,節省可觀的練習時間。

二、用節拍器練習

1.正常速度:以不熟悉的節奏或過門來說,先以=100速度練到順手為原則。

2.加快速度:以20為基準,從=60開始,=80、=100、=120、=140、練到=160。當在某一個速度遇到瓶頸時,就以10為基準退一級練習。比如說當我們=80之速度OK,就練=100,=100不行,就練=90,=90之速度OK,就練=110,=110之速度OK,就練=130,……依此類推。

3.放慢速度:對節拍器從=100開始,=80、=60、練到=50。

 

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2014/05/24

﹝分享﹞辻井伸行2014台北鋼琴獨奏會



辻井伸行 

治癒人心的琴音

聆聽奇蹟的感動

2014台北鋼琴獨奏會

日本巡迴 場場完售

2014台灣僅此一場

7 / 26  19:00

──18:00開始開放入場

台北國家音樂廳

 

 


 

 

只要不放棄,生命就會對我微笑

辻井伸行的追夢故事感動無數人心

 

一個天生全盲的人,如何成為享譽世界的傑出鋼琴家

辻井伸行,從一出生就看不見。原本是從此墜入黑暗、不被寄望的人生

卻因為他在音樂上的毅力,開展出一條令人喝采的不凡大道

在邁向鋼琴家的艱辛路上,矇著眼的他,不顧一切地奮勇向前

8個月大時,他便能「聽」出不同鋼琴家的演奏

然而他的成就,不只來自他的天份,更出自他從不停歇的努力

他無法視譜,只能靠錄音帶反覆聆聽,記下每一個音符

他看不到琴鍵,但隨著不斷的練習,讓黑白鍵融入了靈魂

面對再艱難的考驗,他始終微笑以對

17歲,他以史上最年輕參賽者之姿,闖入有「鋼琴界奧斯卡」之稱的

「蕭邦國際鋼琴大賽」準決賽

20歲,參加全球難度最高的三大鋼琴賽之一「范克萊本國際鋼琴大賽」,

成為勇奪首獎的日本第一人

他年紀輕輕便名列「鋼琴大師」殿堂

他雖然看不見世界,但世界看見了他

 

〈辻井伸行的音樂之路〉

1997年(8歲)登上莫斯科音樂學院大廳演奏

1999年(10歲)獲得有「日本音樂界龍門」之稱的日本PTNA全國鋼琴大賽D級冠軍

2000年(12歲)東京三多利演奏廳舉行個人首次獨奏會

2002年(13歲)赴法國與世界知名音樂家佐渡裕所指揮的拉莫魯管弦樂團同台演出

2004年(16歲)東京交響樂團的定期演奏會中擔綱獨奏

2005年(17歲)波蘭華沙參加「蕭邦國際音樂大賽」以史上最年輕參賽者之姿闖入決賽,並獲頒「樂評特別獎」

2009年(20歲)於世界難度最高的三大鋼琴賽之一「范克萊本國際鋼琴大賽」,勇奪首獎,成為第一位得獎的日本人

2010年 熱門電影《神的病歷簿》主題曲、配樂,並獲得「第21屆日本電影評論家大賞‧電影音樂人賞」

2011年 在美國紐約卡內基音樂廳舉辦獨奏會,名列卡內基鋼琴大師系列音樂會

2013年 於英國最大的古典音樂節「逍遙音樂會」演出

2014年 與美國奧菲斯室內樂團(Orpheus Chamber Orchestra)合作在美、日巡迴演出,再度登上美國卡內基音樂廳

 

更多資訊請洽 http://www.avex.com.tw/tsujii2014/

 


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2014/05/07

﹝轉‧爵士鼓教學﹞練習的方法

在爵士鼓學習路上最重要的課題是如何挑出適當合用的章節,省時有效率地練習,讓時間發揮最大的功效,讓自己可以很快上手。

1.練習工作:練習板、電話簿、自己的大腿、手掌拍身體、板凳、真鼓……。

2.練習地點:等公車、坐捷運、看電視、團練室、鼓教室……。

3.練習時間:不分時間不分地方,只要有閒就隨時練習。若不怕丟臉便可以在走路時也練習,因為走路的步伐就等於一個固定的節拍啦!邊走邊即興不也是許多爵士音樂黑人常做的事?

4.弱點加強:一般右撇子鼓手4肢中最弱的是左腳的靈活度,再來是左手,再來是右腳,最靈活當然是右手。鼓要打得好,打得均勻清楚,就要從弱點加強練習。以左腳數拍過門是一個不錯的方法。

5.移鼓打擊:要眼到、口到、手到,當然能練到矇眼移鼓打擊那就再好不過了。

6.由慢開始:很多人在一開始學打鼓時,都急著想打快,但欲速則不達,因為你的身體根本無法做出你所想的動作。任何節奏任何技巧都一定要從最慢的速度開始,養成習慣,這樣才能打得精緻,快打時才不會有誤差。

7.分段練習:以上所有的方法都可以以彈性速度或各種速度練習,而且必須在有無伴奏的情況下都必須認真,你可以由最簡單的樂段開始,直到你覺得自在為止,才來對付那些令你感到棘手的地方,不要太貪心,一次練一段就夠了,練好再說。另外有些很好的方式如一段主題、一段旋律,或與同伴作4小節或8小節一輪的競奏(Trading 4's or 8's)都會很有助益。

8.彈性速度演奏:彈性速度(Rubato)的意思不是不算拍子,而是在演奏時用較放鬆的感覺去對應節奏與和弦,但仍然保持著速度。最重要的是:心裡面要算小節數及拍子,但演奏出來時要有一點延遲的感覺,才不會硬梆梆並非一蹴可幾,先花多一點時間在困難的樂段,簡單的段落不要反而變快。你也可以嘗試在曲子一開頭慵懶一點演奏,然後逐漸加快進入原來的速度,但仍然不要過度有張力。

9.長時間練習:試著花長時間練習,同一首曲從慢速度開始,直到習慣這首曲子而且感到放鬆為止,下一次再開始時可再增快一點速度,但是不要一下子跳太多到自己無法控制的地步。

10.用心演奏:當完成了許多以上的步驟及原則後,要自問是否已能在心裡〝聽〞見所有的東西─旋律、和絃、貝司音的移動,以及即興─即使你的樂器不在手上,仍能想像你在演奏才對。這種方法應能夠在任何時間地點自由地運用,而且對任何風格的音樂都是相同的概念,在音樂史上早就流傳了各種樂手的軼聞,說他們在巡迴旅行途中常必須以極短的時間準備上台去演奏困難的曲子,那麼他們該怎麼練習呢?便是用以上的方法。

11.模仿只是過程:每個人的即興思路絕對會不一樣;換句話說,你可以模仿名演說家的口氣與思維,但從中找出脈絡來發展方為珍貴。許多好鼓手都有這個歷程,但是總有一天你得跳出來,找出自己的聲音,所以,把自己的偶像層次訂高些吧!加油囉!大家都有同樣的痛苦過,重點是漫長的鍛鍊之後,你的「即興獨奏效」一定會逐漸強得抓不住。

12.錄音練習:當你練好某個節奏時,一定要把它錄下來自己聽過一遍,才知道自己的火侯。

13.音源練習:用CD播喜歡的歌,配上自己所打的節奏或過門,最好依譜練習。

14.創作練習:一開始學音樂難免要先模仿別人,但是藝術的生命本是創作,而不是一直在抄襲別人的東西,培養創作的習慣是相當有幫助的,之後還是要有自己的節奏或過門。

15.重視視譜:很多人都認為打鼓不必看譜,看譜就會打不快,事實上看譜打不快不只是基礎練習的問題,而是視譜練習的部份練習不夠的問題。台灣鼓王黃瑞豐老師曾經提及:樂譜是由音樂家之構思創意,傳遞編寫,並且透過詳細符號記載,呈現悠揚的旋律。單憑自己的聰明死記節奏和過門,完全停滯在音符的門外,將變成演奏出來的音樂性層次不足。

16.投入感情:打鼓時投入感情的練習,與依照樂譜單單做機械式打法,音樂的呈現一定有所不同。

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2014/04/27

﹝轉‧爵士鼓教學﹞套鼓練習

  在整套爵士鼓成形之前,所有的鼓都是獨立個人演奏1個鼓,後來有人把2種鼓由一個人演奏,然後嘗試3種鼓一個人演奏,一直發展到如今一整套鼓由一個人演奏。

  基礎打點練習就是要訓練手部的正確打擊方式與技巧,一開始就訓練手腕打擊的柔軟度,盡量使用手腕上下擺動的姿勢來打擊,減少手臂不必要的擺動來增加打擊速度,同時在減少手臂擺動的動作中整個打擊動作的運用上會更加輕鬆、順暢。

  基礎打點練習是每位鼓手所必經之路,雖然在初學練習上有時會感到單調與無聊,但在往後的打擊學習路程上卻是解開速度、手法與節奏等各種瓶頸的金鑰匙。基礎練得好所遇到的瓶頸自然會減少許多,何況打擊出來的音色也會更清晰飽滿。

一、練習要點

  1.最好先規劃欲練的樂句結構,並在家中懸空想像演練一番再去練教室,這樣進步才會快,練習才有效率。

  2.練鼓的時候最好戴上耳塞,防止重聽,在舞台演奏中可以防止突波對耳膜傷害。一般來說,依耳塞的型式之不同可以減少音量3~5成。

  3.上半身不正,左右肩不平衡。或是鼓椅高度不適當,造成左右腳施力點不佳,鼓點強弱不平均,Hi-Hat開閉時間點抓不準。

  4.手臂僵硬,無法隨音樂律動擺盪,動作生硬無彈性,容易腰酸背痛,無法長時間穩定速度演奏。

  5.只用臂力打鼓,腕力不太會用,造成過門鼓點混濁(尤其是鼓皮較鬆軟的落地Tom Tom),Hi-Hat打點不清脆之缺點。

  6.Hi-Hat的打擊是小手臂向下時打一下(Down Stroke:開始點高結束點低)小手臂提起時用手腕再打一下(Up Stroke:開始點低結束點高),如此拍點較準確,手臂較不容易疲累,更可以獲得強弱分明的音色。話說回來Down Up之Hi-Hat打擊法不是唯一,Tap Stroke打擊法也常常用在Hi-Hat打擊,就是開始點低,結束點低。鼓棒由低點敲擊之後,停於低點之打擊位置,此為連續輕音敲擊法。

  7.基礎打點練習是學習爵士鼓及打擊樂器入門的階梯,不可能一步登天,必定是要按部就班一層一層的往上走,基礎穩固了在往後的學習路途上會更平順、更能發揮一位鼓手在打擊上千變萬化的技巧與空間。

  8.如果一開始就學習節奏型態的鼓手,雖然會打擊多種型態的節奏,相信在演奏中必定會有速度與手部協調上的困擾,如果要半途加強基礎打點練習時,因為手部的律動方式已經長時間定型,要修正反而事倍工半,這個代價相當之大,也是一開始就學習節奏型態鼓手美中不足的地方。

二、困難部分練習法-4肢拆解練習

  初學者對於任何曲子都應該用4肢拆解來練習,以期讓他們儘早熟悉這個重要的方法。但是一旦他們已經精通這個方法,那就應該開始嘗試在不用4肢拆解練習的情形下,就使用4肢合練。隨著的技巧進步,4肢拆解練習慢慢會減少。但是,需要培養相當的程度才能達成,一般學生約需要2~5年來達到這個程度。需要強調的是,4肢拆解練習只有在困難的段落有需要之處才練。如果已經約略可以4肢合奏奏的段落,那就省略分手練習,而不是養成依賴4肢拆解練習的習慣。

  1.先以左右手拆解練習直到熟練:以比演奏速度快的速度敲擊,然後再雙手合練。兩隻手個別去學習已經夠困難了,兩隻手一起學習那是難上加難,而且會花更多的時間。這會需要數天,甚至數星期的時間,視程度而定。當分手已經練得不錯了,這個時候打不好沒關係,我們只需確認兩隻手沒有衝突即可。

  2.再用左右腳拆解練習直到熟練:最快的方法是兩隻腳個別練習,4肢都必須獨立的去學習它們所需的技巧。

  3.最後4肢合練:能有效率的學習協調性。如果一開始你就可以4肢合練的話,那就沒有必要4肢拆解練習了。

  4.以演奏的速度增20%來做4肢拆解練習。通常這不會很困難,可以看到自己的技巧快速提升。

  學習爵士鼓的過程中除了學習樂理、節拍、節奏外,著重於基礎打點練習,整體而言應該說學習基礎打點練習,就好像學習吹奏樂器,要從練嘴型、爬音階、拉長音等基礎開始學起是一樣的道理。

  而最有效果的練習當然是在整套爵士鼓上磨練,但是現有的居住環境要有夠大的地方放一套鼓,除此之外還要有不怕吵的鄰居實在不容易,那怎麼辦呢,樂器行的練鼓教室是個好選擇。有志學習或正在學習爵士鼓的朋友們!勤練基礎打點練習必定能使你的鼓藝更上一層樓。

轉載自 套鼓練習


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2014/04/27

﹝分享﹞真理大學2014年度音樂會



真理大學2014年度音樂會

演出曲目

合唱團 指揮:聶焱庠

Gloria from "Kronungsmesse"  W.A.Mozart

Every I Feel the Spirit     Bob Chilcott

Fight            松本望 編曲

Sing a New Song        Ronald Staheli

雪花的快樂        徐志摩 詩 周鑫泉 曲

湯かむり唄         松下耕

El Hambo          Jaakko Mantyjarvi

When You Believe      Stephen Schwartz

 


 

 

管弦樂團 指揮:林天吉

Concerto in E-flat Majoy for Two Pianos, K.365  W.A.Mozart

鋼琴:葉孟儒、謝琦雯

台灣音畫                  鮑元愷

i.玉山日出 iii.宜蘭童謠 iv.恆春鄉愁 viii.達邦節日

 

5月23日 Friday 7:30pm 國家音樂廳

票價:250、350、500 

兩廳院售票系統02-3393-9888(團體10人以上、兩廳院之友九折)

 

主辦單位:真理大學音樂應用學系 02-2626-0017

演出人:林文昌 校長

監製:陳志榮 院長

製作人:徐家駒 主任

執行製作:林昭成、林欣儀、蔡宗穎

行政團隊:真理大學音樂應用學系行政管理組

贊助單位:東和木業股份有限公司、功學社樂器股份有限公司


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2014/04/19

﹝轉‧爵士鼓教學﹞大鼓的踩法

  一開始學習爵士鼓的人在踩大鼓(Bass Drum)時經常會產生很多的疑惑,因為很多人就是只一味追求踩得快以及踩得重,而忽略了腳踝放輕鬆,導致速度只固定在一定的範圍,一旦歌曲速度很快或是很慢的時候,節奏變得混亂不成調。

  而踩鼓踏的目的是要控制鼓槌撞擊大鼓,在沒有踩下腳踏時,如果腳踝放輕鬆,鼓槌應是自然離開大鼓皮面的,而每次打擊後,鼓踏便應放鬆,使鼓槌返回原位而後再打。

  記得20多年前學鼓時,無論是國內外爵士鼓教材書,或是老師的教學,幾乎清一色用平踩法,近幾年以墊踩法為主流,反而現今平踩法被大力宣揚。

  習鼓之初當我們踩下鼓踏時,常常被叮嚀鼓槌要貼上大鼓鼓皮。目前的趨勢及個人練習心得是,平踩法及墊踩法2種都要練,才足以應用在不同類型之音樂,還有演奏時平踩法及墊踩法交錯使用,能夠減少腳踝疲勞度,交互運用後是有無限延伸的進步空間。

一、常用的踩法有3種

  最好有真的大鼓踏板來練啦,踩地板也可以,不過效果沒那麼真實,因為大鼓踏板是斜的,而且有彈性空間。踩到地板就下不去了。一般而言,腳尖是位於踏板正中間再往前一點,約佔領板3/4的長度踩,如果是需要有音量的話,整隻腳可以稍稍往上提再踩。

  1.平踩法(Heel Down):腳跟放下以腳跟當作軸心支點,利用腳踝轉動(Ankle flexion)向下輕點踏板便可,使腳踝保持放鬆,而整個腳掌平貼在踏板上。平踩法靠的是腳腕及小腿的力量,所以加速的時間短,踏腳的反應會較快,但缺點是腳踝活動範圍受限制,大約只能有30度以下的活動範圍,因此音量會比墊踩法小。在理想大鼓有延音的調音狀態下,若鼓槌不完全緊靠在大鼓皮上,共振應會更好聽。平踩法比較適合用於一些輕快柔和的音樂節奏,如Samba、Swing、Latin、Mambo……等等音樂。

  2.墊踩法(Heel Up):腳跟不著地,利用腳踝轉動及股關節轉動(Hip flexion)來踏踏板,讓大腿向上提起,腳跟要抬高起來,腳掌保持放鬆。然後大腿向下沉,而腳掌向下踩便可。墊踩法因為腳跟離地不受限於踏板上,所以腳踝活動範圍幾乎比較大,再加上小腿、大腿的重力與股關節的轉動,藉由多處肌肉出力,可以踩出較大而且結實的大鼓聲音量,入門較容易,墊踩法則適用於強度高且多切分音,需要Punch力道的音樂頗適合。如Rock、Heavy Metal、Funk……等類型音樂。其缺點是大鼓皮如果較緊繃,踩下去的鼓點會有殘點。

  3.懸空踩法:腳跟不著地,利用腳踝轉動及股關節轉動(Hip flexion)來踏踏板,就是整隻大腿吊著,主要是利用腳踝的動作來踩,需要大的力道時才加上大腿向下的重量,屬於Open sound~~。缺點是腿部時時處於緊張狀態,導致容易疲倦及肌肉拉傷,還有拍點較不容易精準,適合高階鼓手搭配使用。

  我們可以去多嘗試一些不同的的踩法。搖滾重金屬音樂年代開始之後,眾家鼓手紛紛使用墊踩法,因為搖滾重金屬音樂需要的力道要比較強,因此墊踩法獲得青睞。現今以墊踏踏法佔多數,最好2種都練,才可以平踏和墊踏並用,但還是建議先把墊踏練好,並且能分別以平、墊踏2種方式演奏出悶音或開放之音色,平踩法及墊踩法差別在於出來的聲音不同。

二、練習要點

1.腳的練法和手一樣,此時坐姿高度很重要,因為坐姿度決定了踏板上最佳踏點,與最輕鬆最快速有的力的切入點。請參考打鼓的坐姿一文。

2.腳部練習一定要先單獨以左右腳依照音符作4分音符及8分音符的正反拍,16分音符練習,再加入雙手訓練。

3.依照音樂的需要,大鼓皮有時候調緊而有的時候調軟,其反彈力不同,所以腳踩鼓踏會有不同的感覺。有時鼓皮太緊,腳踩鼓踏會導致鼓皮反彈,造成聲音不單純。

4.好鼓手可以依照音樂而踩出開放音、悶音、強音、弱音、雙擊音,不單只是重踩、快踩鼓踏而已。

5.基本上大鼓和貝斯是一體,但並不是和貝斯同樣的點就可稱它為一體,而是要與貝斯的律動一致。請參考大鼓與貝斯一文。

6.敲鈸(Cymbal)時絕大多數要配合腳踩大鼓,如此鈸音才有深度及廣度。

7.先要在踏板上找到適當的踏點,太前面則速度太慢,太後面則費力,鼓踏抵牆是不錯的自我練習找踏點方法。

8.當覺得腳跟不上手時,先放慢手的速度等腳熟練,勿求快心切。

9.從許多套譜的總譜裡的鼓譜和Bass樂譜裡,可以看得出來大鼓點和Bass的巧妙對位,因不管是什麼節奏曲風Rock也好、Funk、Jazz......等等都一樣,大鼓點要和Bass打點互相配合(但是不一定完全一致),也是整個節奏營造感覺協不協調,以及烘托節奏效果的重要關鍵。

10.鼓踏踏法可分平踩法(Heel Down)及墊踩法(Heel Up)2種,早期30~60年代的鼓手,踩大鼓是採用平踩法為多,平踩法一般椅子都坐得比較高,這樣踩起來腿比較輕鬆。

11.鼓踏槌彈簧的鬆緊度要看個人的習慣,調鬆踩起來比較不費力但速度變慢,太緊腳很容易累,要試過多次才會找到適合自己的彈性。一般而言,採用墊踩法(Heel Up)或是需要單腳雙擊踩法的鼓手,鼓踏槌鬆緊度最好調緊比較好。

三、雙踏板或雙大鼓(Double Bass)

  雙大鼓是一般年輕鼓手的最愛,最早是由美國名鼓手Mr. Louie bellson所創造的,主要用於爵士大樂團(Big Band Jazz)的演奏上。

  後來基於攜帶方便與演奏場地狹小為考量,發展出雙踏板,來做出雙大鼓的效果,也因而逐漸的成為重金屬(Metal)的鼓手才可能用雙大鼓或是三大鼓演奏,而爵士(Jazz)、搖滾(Rock)、融合(Fusion)鼓手用的是雙踏板為主。就坐的姿勢和高度的差別上來說:雙大鼓鼓手音樂性的關係在樂器架設上較多且居高,因此幾乎大多數是採以高坐姿的方式。至於雙踏板鼓手就分別有高、低不同的坐姿,而融合(Fusion)鼓手以低坐姿較多。以上是雙大鼓與雙踏板稍有些許不同的地方。

  很多人認為會踩雙踏或雙大鼓的鼓手就是比較高段比較厲害,雙腳踩踏是難沒有錯,但那只代表鼓技的一部份。有些人腳功很不錯,可是與雙手不協調的話,演奏時就特別引人側目了。而且能用到雙踏板雙大鼓(甚至三大鼓來演奏)的樂曲相當有限,自己的鼓藝絕不是只有雙踏而已。

  雙踏板或雙大鼓踩出來的音高(Pitch)與音色(Tone),聽覺上來說有2種。一種是哆洞、哆洞、哆洞、多洞的律動,另一種是洞洞、洞洞、洞洞、洞洞的律動感。能夠踩出不同的節奏律動,才是進階鼓手學習的議題。

四、雙踏板或雙大鼓練習

1.把腳當手用,練法如RLRL、RRLL、RLRRLRLL、RLRLRL三連音……等。

2.雙踏套鼓練習1:

3.雙踏套鼓練習2:


4.雙踏套鼓練習3:


 

轉載自 大鼓的踩法


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2014/04/19

﹝分享﹞【TSO 首席指揮系列】吉博‧瓦格的奇幻之旅

跟隨吉博‧瓦格踏上奇幻之旅,

一同聆聽帶有魔幻色彩的音樂故事,

與漫天漫地、嬉戲成趣的帕克精靈穿梭於夢德爾頌華麗冒險的樂曲中,

在柯大宜筆下,誰又是家喻戶曉的吹牛大王?

帕格尼尼的作曲有如跟魔鬼打交道,

不惜出賣靈魂,只為換取超凡炫技!

且聽贏得第六屆帕格尼尼大賽者克里斯托夫‧巴拉提如何與魔鬼交戰。

 

首席指揮:吉博‧ 瓦格

Gilbert Varga, Principal Conductor

小提琴:克里斯托夫.巴拉提

Kristóf Baráti, Violin

臺北市立交響樂團

Taipei Symphony Orchestra

 

曲目:

孟德爾頌: 仲夏夜之夢,作品21

Felix Mendelssohn: A Midsummer Night’s Dream, Op. 21

帕格尼尼: D 大調第一號小提琴協奏曲,作品6

Niccolò Paganini: Violin Concerto No. 1 in D Major, Op. 6

柯大宜: 哈利亞諾斯組曲

Zoltán Kodály: Háry János Suite

 

103年4月4日 (週五)19:30【TSO 首席指揮系列】吉博‧瓦格的奇幻之旅

http://www.tso.taipei.gov.tw/


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2014/04/19

﹝轉‧爵士鼓教學﹞鼓邊(Rim)的打法

一、Close Rim有2種音色呈現:小鼓邊(Rim)的打擊動作一般分為Open Rim或是Close Rim二種類。



PS:左手倒握鼓棒,手掌放置小鼓皮上的位置不同,會讓小鼓框的音色不同。請試試看左手手掌跟放置於小鼓面的左邊、中間、右邊,各有不同的鼓框(Rim)音色。

二、Open Rim有5種音色呈現

  是鼓棒身(shoulder)之處敲打鼓框,打擊後鼓棒離開鼓面,讓小鼓呈開放音。要點:

1.小鼓高度要適合左手打擊習慣。

2.打擊順序是鼓棒身先觸鼓框,鼓棒頭再觸及鼓皮,如此鼓聲是有延長"匡"音,而不是悶住的"控"音。

3.左手下擊將近鼓框時,左手腕保持角度下擊。

下圖是Open Rim的5個打擊部位,其音色皆不同。

轉載自 鼓邊(Rim)的打法


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2014/03/21

﹝轉‧爵士鼓﹞鼓刷的用法

  鼓刷(Brush)大概在1915年間開始被使用,當時很流行Dixieland Jazz(出名的鼓手有Baby Dodd)。用Brush來代替鼓棒演奏,可以得一種柔順流暢的長音(Legato Sound)相對一般的鼓棒。

  鼓刷音量雖小但卻清晰而細緻,用於演奏爵士樂或是抒情的樂章,效果更見甜美。Joe Jones,Max Roach,Philly Joe Jones,Ed Thigpen,Clayton Cameron,Bubby Rich等都是使用Brush的高手。

  一般而言可以鼓刷用敲、點、畫圓、橫滑的、拍鼓皮的奏法。



 

轉載自 鼓刷的用法


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2014/03/19

﹝轉‧爵士鼓教學﹞打鼓的坐姿

  打爵士鼓時身體的坐姿也是很重要的,打擊姿勢正確更能發揮打擊的效果,而且如果坐姿不正確在長時間打擊時易造成腰酸背痛且很容易疲倦。

  打擊時全身肌肉要放鬆,雙手各個關節要保持柔軟的狀態。雙腳踏擊姿勢也同雙手握棒姿勢一般,踏擊姿勢正確可免除小腿肌骨酸痛,甚至避免速度節拍越踏越慢的問題。

  坐姿因人而異,不過右圖這位鼓手坐姿比較低,而左圖這位先進坐得這麼高實屬少見。鼓手坐姿的高低會改變大腿的角度,進而會影響整個人的重心。

  當然一種坐姿未必可以適合所有的鼓手,各位還是需要依據自己的體型、身材比例、打擊習慣、與大鼓槌踏法(平踏、墊踏)去作出適當的調節。

 

一、鼓椅的高度

  坐於鼓椅上要十分平穩,讓身體重心落於臀部,並且確定臀部坐於鼓椅前1/2處,要注意不可依靠雙腳來支撐整個人的重量,才不會減低了腳部踩鼓踏的力量,與犧牲腳部靈活度。

  坐得太高或太低是會令控制鼓槌時形成困難,而且亦會影響到脊骨的健康。靜止坐在鼓椅上坐直,控制鼓槌的腳,膝蓋角度大約是90度左右,大腿與地面是接近平衡的,小腿則微微向前。此時雙腳的腳底板按照最輕鬆自然的V字型調整,一般以右腳先決定位置再決定左腳。

  採用平踏(Heel Down)的鼓手,坐高一點這有助於雙腿的運動及力量的增加(Punch)。採用墊踏(Heel Up)的鼓手,坐低一點這有助於單腳雙踏的靈活性。早期30~60年代的鼓手,踩大鼓是採用平踩法(Heel-Down)為多,所以椅子都坐的比較高。然而搖滾年代開始之後,大家紛紛使用墊踩法(Heel-Up),因為搖滾重金屬音樂需要的力道要比較強,因此墊踩法獲得青睞。這時候鼓手的椅子高度必須往下調低了。因為若採用墊踩法(Heel-Up),一旦鼓椅過高,需要單腳踩雙踏時,自己的腳容易疲勞,速度也不容易快,操控性差很多了。但是有用墊踩法的鼓手坐得很高的,也有用平踩法的鼓手坐得很矮的,真的找不出一個通則。

  另外採用雙大鼓的鼓手在鼓架的設上較多而且高,因此幾乎大多數是採高坐姿式。至於使用雙踏板的鼓手就有高、低不同的坐姿,而融合樂(Fusion)鼓手以低坐姿的姿勢居多。

  當鼓椅的高度習慣固之後,才能開始整個鼓組的高度、方向、角度的調整。

 

二、人與鼓的距離

  不少人都喜歡坐近小鼓,認為這樣可有助打擊的速度及準確性,其實這未必正確。因為坐得太近,鼓手轉身的角度便要增加,轉身所用的時間便會相對地提高,打擊的速度反而因此而減慢了。坐得太近亦會令雙手擺動的空間減少,影響雙手的靈活性。當然,坐得太遠亦不恰當,會導致很難精確擊中鼓的中心。

  試試下法:以5鼓組合來說,坐在鼓椅上坐直,接著不拿鼓棒伸直雙臂與手指,指尖可以輕觸TomTom鼓的中心為標準,此時身體與鼓的距離應不會差太遠。

 

轉載自 打鼓的坐姿


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2014/03/17

﹝轉‧爵士鼓教學﹞握棒方法2

  鼓棒握法依需要而有多種握法,初學者鼓棒最好以基本握法為主,老手握棒較不拘形式,不侷限1或2種握棒方法,鼓棒握法之多可用多采多姿形容。有時候甚至依需要可能一手握2支鼓棒,所以沒有哪一種握法可稱為是絕對正確的握棒法。

  初學者握鼓棒通常太緊,打鼓用到手臂和手肘的部份較多,而手腕和手的小指、無名指、中指幾乎沒用到,因此打鈸與鼓的時候,鼓聲顆粒較粗糙,音色沉悶並且無高頻。

  當擊奏的速度越快,可能小指、無名指使用的比例會減少,主要用的是拇指、食指、中指和手腕。學習使用手指及手腕,在音樂的表現會更豐富細緻,同時速度也會加快不少。





一、鼓棒與手指力量的配合

  一般而言打擊動作只向下而不向上,也就是說不使用自己的手腕硬將鼓棒提起來,而是利用鼓皮本身的彈性去幫助鼓手打擊之後鼓棒自然彈回,好處是可以讓鼓手可以用省力的方式,作長時間的打擊。

  我們把打鼓會運用到的地方分成手指、手腕和手臂,而手指的功能在於幫助速度的提升和小聲的控制,練習的重點是要確定肌肉的使用是否正確。以一般握鼓棒的方式來看,需要鍛鍊的是每一隻手指牽連到的肌肉,所以分開來練是很好的起步。手指只是打鼓會用到的一部份,並不是手腕和手臂都不需要練習。手指有力量會像是自然的反應,而不是刻意要抓放鼓棒,應該是感覺上讓鼓棒碰到手指又自然反彈。

二、其他注意事項

  1.握棒的力道不可以僵硬緊繃,只要剛好可以讓到鼓棒不滑落就可以了。握得太緊會造成手臂很容易筋疲力盡,並且讓你速度越來越慢,無法長時間的打擊演奏。握棒的力道正確的話,無論打得多快,我們的手指、手掌、手腕、手臂不會覺得有緊繃的感覺。

  2.不要挾得太後,否則在擊鼓後,鼓棒便不會回彈至起點的高度,不正確的握棒方法通常是日後進步困難的主要原因之一。

  3.握棒的長短依需要也有多種,不過握在鼓棒尾端1/3處為多。想增加力道者可以握鼓棒最末端。

  4.拉丁音樂為求敏銳音色,常用13吋短拉丁鼓棒握法,此時鼓棒尾端握手心,以雙手拇指、食指、中指巧力敲擊即可。

  5.鼓棒容易折斷,可能是你的手腕太低,鼓棒在擊奏時,容易擊中鈸面的邊緣刃口處。或是你作大量的鼓邊(Open rim)擊奏時,鼓棒也容易折斷。

  6.最佳支點測試法:以拇指及食指輕鬆地挾著鼓棒,鼓棒尖自由落體至鼓皮上,觀察鼓棒尖彈跳幾次。接著從鼓棒尾端開始往前改變位置來輕挾著鼓棒測試,找出彈跳最多次之點就是最佳支點。握棒挾在最佳支點處來輪鼓,通常可讓輪鼓密度較好,在打擊時才能得到最大以及最有效的回彈力。

  7.利用鼓棒與鼓面的高度來決定打擊音量,而不是完全以力道來控制打擊的音量大小。試試鼓棒離開鼓皮5cm、15cm以及50cm打擊鼓面,所發出不同的強、中、弱音量為根本,熟練後可以輕鬆使用在演奏裡。

 

轉載自 握棒方法2


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2014/02/28

﹝轉‧爵士鼓教學﹞爵士鼓



  爵士鼓(又名架子鼓)是一種打擊樂器,英文稱作Drum kit或Drumset,集合許多打擊樂器為一體,基本的組合包刮了大鼓(bass drum)、小鼓(snaredrum)、兩個中鼓(tom tom)、一個落地鼓(FloorTom)、腳踏鈸(HiHatCymbal)和兩片銅鈸(aride cymbal and a crash cymbal)。

  爵士鼓是利用鼓棒和鼓刷來演奏,大鼓則是利用腳踩踏板來發出聲音,大鼓的直徑18、20、22、24、26吋,深度以14、16、18吋居多。

  小鼓因為其底部裝有響絃(Snare),故英文稱作Snaredrum,爵士鼓用的小鼓直徑約13或14吋,深度以3~8吋為多。

  中鼓是一種圓筒狀的鼓,聲音類似去掉響絃的小鼓的聲音,架在大鼓上方。

  落地鼓(FloorTom)是一種有腳的中鼓,置放在爵士鼓組中大鼓的右邊,直徑有14、16、18吋。

  腳踏鈸固定拍子打點用,尺寸是直徑13、14、15吋,以14吋最普遍通用,上片稱Top,下片稱Bottom。腳踏鈸用架子立於整套鼓的左邊,演奏的方式除了用鼓棒打擊之外,也有踏板可以控制上片和下片的開合。

 

  「爵士」二字,並非指英國皇室的勳位,而是一名早期美國黑人樂手的名字,全名為爵士波‧布朗。早期的爵士樂是美國下層黑人們自娛自樂的音樂形式,當這位著名的黑人樂手演奏時,人們常常興奮的高呼「爵士,再來一個!」。後來,這種音樂就因這位黑人歌手而得名,習慣上稱作「爵士樂」了而搭配爵士樂演奏的樂器,稱為爵士鼓(也是由這位爵士波‧布朗而得名)。

  爵士鼓從外觀上看去就像一排架子上掛著很多鼓,鼓手演奏起來十分神氣、顯眼,抑揚頓挫的立體鼓點鏗鏘動聽。在我國,人們就按它的外型而習慣叫它「架子鼓」,鼓手的演奏俗稱「打架子鼓」

  最初期的爵士鼓非常簡單,只有大軍鼓、小鼓和軍镲。人們把大軍鼓立放在地上,架起小鼓,用腳把大鼓踢響,再把一根棍子插在地上,掛上一片軍镲。十九世紀中期,美國南北戰爭結束,能歌善舞的黑人從解散的軍隊那裡獲得不少樂器。如大小軍鼓、鈸镲等(這些樂器幾乎成了後來爵士樂中的主要樂器),天才的黑人把各類鼓镲巧妙的組合在一起,就成了爵士鼓的雛型他們把大軍鼓安上支架放在地上,配置一個能鼓動鼓面的踏板。再把小鼓和軍镲分掛在大鼓的兩邊。這樣,一個人就能同時操縱多件打擊樂器。後來通過發展、改良,慢慢就演化成了現代的爵士鼓。隨著爵士樂的不斷發展,鼓手的技術也不斷提高,簡陋的裝置再不能適應樂隊和鼓手的需要,於是就在打擊樂組合中逐漸加入了幾個去掉響絃的小鼓,打起來嗵嗵嗵嗵,與大鼓、小鼓交相呼應十分動聽,後來就以它們發出的聲音命名為「嗵嗵」(Tom-Tom)。我國的習慣叫法為「嗵嗵鼓」,因為嗵嗵鼓的型制很像水桶,有的也叫它桶鼓。隨著爵士樂的發展,能夠連動的踩镲也加了近來。直至發展到型制健全、操縱方便、具有兩面大鼓、七八面嗵鼓、八九面吊镲的世界性打擊樂器了

 

文章轉載自爵士鼓


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2014/02/17

﹝葛銳特樂器﹞爵士鼓課程兩人同行,立即有優惠!

即日起,

凡兩人同行報名上課「爵士鼓課程」,

原價4800元/一期(雙人),立即降至4000元/一期(雙人)!

※上課時段:依老師及學生可排課時間,兩人須同一時段上課。

※上課時間:一期四堂課,每堂課50分鐘。

 

活動詳情請洽 葛銳特音樂教室

※與葛銳特樂器行聯絡※

電話:(02)8282-5060

地址:新北市蘆洲區長安街23巷17號

信箱:greatmusicservice@hotmail.com

官方網站:http://www.greatmusic.com.tw/knowledge.php


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2014/02/17
2014/02/17

﹝轉‧爵士鼓教學﹞Lesson_m01 - hihat反拍節奏篇

在經歷了前面的教學之後,我想大家對於節奏應該有一些基本的認知與體會了,

接下來,我們要看的是「hihat在反拍的節奏」,何謂正拍反拍?

我用一個很簡單的方式舉例,現在嘴巴以固定的速度唸 一、二、三、四

注意喔,速度不變,改成唸「嗯、二、嗯、四」,接下來一樣速度不變,

原本「嗯」的地方保持靜音,唸「 、二、 、四」,這個二跟四就是所謂的反拍了

以四分音符來看的話,就是2、4點,以八分音符呢?

答案請反白->「第2、4、8個點」

那為何要有這種 「hihat在反拍的節奏」呢?  這類型的節奏特色除了律動會截然不同之外,

還有可以發現hihat變明顯了,若把打hihat的部分移去打ride,其差異更加明顯,

我們這一篇主要介紹的節奏,hihat的點都是固定的,若你已經把這篇文章練的非常熟練了,那麼你可以試試看去變化hihat的點囉。

我們首先來看第一個節奏,這個就是單純的hihat打反拍(八分音符)

001

我們先來聽看看,以下的音樂都會先有一個4拍的提示音才進入節奏:

 

試著打打看,對的上嗎?  由於正常來說,我們習慣的都是正拍上的點,

因此可以反過來利用,圖中八分休止符的部分我們也打,但是是打空氣,請看影片示範,

注意到我的手,在休止符的時候也是有動作的

  

 

還記得Down-Up嗎(一下大力一下小力啦)?  這有點類似反過來  Up-Down ,試著自己多練習看看,

反拍上的點一定要精準,位置要對,務必要完全對到音樂。

 

若比較抓到感覺了之後,我們試著加入小鼓與大鼓

    

 002

一開始可以用這一下的下一下是什麼來補助,但是最好練到可以感覺到右手的那個律動,

一開始練的時候注意力可以放在右手,也要注意大鼓或小鼓有沒有打偏了

 

那我們來正式進入第一個節奏,請先試著練習下圖的第二個小節

003

打得出來之後試著打全部試試看:   

速度是不變的,重點是你要能從右手打8beats hihat穩定的轉換到打反拍

 

 

接著試試看這個,一開始可以用加強紅框那一點的注意力來補助:   

 004

熟了之後請不斷的打上圖第二個小節,偶爾切回來第一個小節看看自己會不會亂掉。

 

抓到感覺了嗎?  以下提供四個範例,分別練習看看吧,音樂是每個小節打兩次:    

PS.第三小節的音樂我放錯了,不過剛好順便考考大家能不能聽出來是哪裡不一樣吧。

 005all

如果要跟音樂一樣一路打下去也是可以,挑戰看看,

但是不要急,類似這種比較拆神經的東西是急不得的,

重要的是先從慢速度去感受他的律動、肢體的動作拆解,腦中非常清楚你的手或腳分別在做什麼再加快速度,

永遠要知道自己在打什麼,才有辦法去控制自己的身體。

 

下面這個打打看,比較特別一點,大鼓的位置剛好跟hihat在一起,並空出一格:   

006

 

同樣的,我們來試試看小鼓的切分音,練習的邏輯都是一樣的,紅框處是16分音符,

這邊手的速度是前面的兩倍,去抓到這個切換的感覺:   

 

007

再來試試看這個,若打不出來就先慢慢的打,並且把他跟前面一樣,

先打一小節有8beat hihat的該節奏再切換回來看看:

008

接下來是總驗收啦:

009f

打不出來?

還記得非常好用的分割法和轉移注意力法嗎? 

009f2    

在腦中把分出這幾個綠框,同時可以用紅框處的地方來補助,

但是要記得,這只是一開始不熟的時候補助用的,必須要練習到全部想成一起。

  

至於練習的歌,五月天的約翰藍儂,但是這首速度比較快,不適合剛練習這種節奏的人,

建議可以先找比較慢的歌來練習看看。

 

文章轉載自Lesson_m01 - hihat反拍節奏篇


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2014/02/17

﹝轉‧爵士鼓教學﹞Lesson.16 - 單手16beat-hihat

接下來是新手課程的最後一堂課了,之後的新增課程我會歸類為中手課程

現在回顧一下我們學過的節奏,

有沒有發現目前我們學過的東西右手的hihat

可以歸類成4beat,8beat和1拍3下的Gospel Rock (當然還有非常多)

現在則是要教大家單手的hihat打16beat的節奏,

單手16beat主要用於比較慢的速度、比較慢的歌曲 (特殊情況下也有快速度的)

這種節奏會有強烈的感情表達

我們先來看看他的基本構造,試著打打看吧!

1-1.JPG  

 

打這種節奏的時候,要非常注意你右手打出來的點是否間隔一致

每下hihat之間的間隔長度要一模一樣

接下來打看看這個:

2.JPG   

有沒有開始眼花了?  其實他就是下面這個節奏變來的

2-1.JPG

 

所以打的時候只要確定他是哪個節奏後,

眼睛就不用那麼注意看那些XXXX的符號看到眼花撩亂了

再來一個大家都很耳熟的看看:

 

3.JPG

現在我們來個比較難的,打打看下圖的前半部看看:

4-.JPG  

第一個小節    第二個小節  

有沒有覺得中間很長呢? hihat都不知道打幾下去了

這個問題我們在以前剛學8beat節奏時有遇過了,還記得解決方法嗎?

「分割法」

4-1.JPG 

腦袋裏面要分的出一拍的長度和空間,如圖中的橘框

一開始可以靠加強圖中的紅點(第三拍的第一下)去記憶、分割出拍子空間來

但是之後要練到不需要依靠那下紅點才行

接著,有注意到上面練習的節奏,大小鼓的位置都是在原本8beat的hh位置上嗎?

所以我們接下來要試試看比較特別的位置了,打打看下圖,

注意最後一下小鼓的位置:

5.JPG 

  

有沒有發現最後一下小鼓十分難打?

因為他在相對的反拍位置上

其實我們打久了會自然的養成down-up的動作(回憶一下之前說的四大打法)

白話一點就是一下大力一下小力 (同樣要注意每個點之間的間隔一致)

而最後一下小鼓的位置就剛好是在 up (小力) 上面,

打hihat的右手此時是up(往上抬)、打小鼓的左手這時候是往下打,

一個往上一個往下自然會形成矛盾,你可以改成兩下都是down

但有個簡單的小撇步可以利用:「那下的hihat不要打」 其他在up點上的也適用

 

有小鼓,接下來當然有大鼓啦,請注意大鼓要跟hihat同時出來

6.JPG  

另外還有一個小技巧,我們可以把注意力放在上面的黑點那幾下

這樣聽起來就會像8beat,可以自己體會看看

現在來練習看看下面的8beat轉16beat,有節拍器請開節拍器

不要8beat一個速度、16beat變成另外一個速度

P1.JPG 

打的時候請張大耳朵聽聽自己打出來的聲音

P2.JPG

 

 

 P3.JPG

 

 

下面這個比較難一些,可以多加利用「那下的hihat不要打」的小技巧

但是我們的目的是練習,所以hihat全部都打也要練熟

P4.JPG

 

 

適合拿來練習的歌呢?

張惠妹的「我可以抱你嗎」

這首歌速度適中,很適合拿來練習

 

轉載自Lesson.16 - 單手16beat-hihat


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2014/02/17

﹝轉‧爵士鼓教學﹞大鼓連踏篇示範影片

有不少人針對在下面這篇的灰色文字部分提出問題

Lesson.15 - 大鼓拆解進階篇

 

而且我也一直這邊覺得只用文字說明實在不是很夠,

所以剛剛去學校社辦用數位相機(P50)錄了一些片段,

但是沒注意到電池快沒電了,所以片段都很短。

室內光源不是很足,所以影片看起來髒髒的

另外鞋子本來就差不多是那個顏色,小鼓的影子一蓋上去馬上看起來髒的要命Orz...

 

看影片之前有幾點要注意:

1.請先確實的把Lesson.15 - 大鼓拆解進階篇看完(尤其是灰色文字那段)

2.因為講求示範效果,所以踩的動作會比較誇大一點。

3.通常越快動作不一定越大,因人而異。

 

 

那麼看完之後,練習時要注意,

不用太刻意去想要把腳怎樣怎樣的,重要的是抓到那種動作連貫的感覺。

另外有沒有注意到影片中示範的都是兩下、兩下,

那麼兩下以上較快速的單腳連踏呢?

這又是另外一門學問了,以後有機會會再提

 

 

PS.這裡分別是影片中兩段示範片段和結尾的鼓譜,除了第一個之外,

其他都是我即興隨便打的,

可以挑戰看看在點清楚又準的前提下能不能輕鬆的打出來,

可以的話表示你的鼓藝有相當程度的進步囉。

sample.png

 

轉載自大鼓連踏篇示範影片


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2014/02/17

﹝轉‧爵士鼓教學﹞Lesson.15 - 大鼓拆解進階篇

在學過了Funk節奏之後,是否對這種很多複雜的點節奏比較有概念了呢?

現在我們要來教的是更複雜的大鼓變化,在做這種比較複雜的大鼓變化時,

我們可以善加利用hihat,利用hihat來對(重疊)、拆(插入),進而打出正確的鼓點

00.JPG 

上面這張圖我想大家應該都會了吧,之前都是打完這拍大鼓就閒閒沒事了,

但我們現在要圖內後半拍把「雌‧咚」放在"大鼓"的前面

01.JPG 

      

第1小節,試著打看看,通常第一次打100%是會卡住的

重點在於「雌‧咚」(第二拍後半)的大鼓會和第三拍的第一下大鼓連成快速的兩下大鼓

還記得「打完他忘記他」的方法嗎? 打完黑框後把注意力集中在紅框,不要被打過的東西影響到了!

保持hihat的穩定

01_1.JPG 

通常教到這邊我會示範連踏的方法,但礙於一些緣故,先用文字敘述:

我個人習慣的方法是類似「toe-heel」的方法,

使用的是墊踏法,第一下可以想像用腳掌比較接近腳指的地方踩;第二下用腳掌

要注意的是腳跟的高度,第一下比較高、第二下較低,你可以現在就踩地板試試看。

腳放在地上,把腳跟抬起(抬起後腳不要對地面出力)

然後用腳掌接近腳指的地方踩第一下,踩完之後腳會因為反作用力稍微上浮,

這時候馬上用腳掌往下採第二下,同時注意腳跟的高度第一下是比第二下高的。

這是我個人習慣的方法,還有非常多種踩法:heel-up,heel-down,heel-down....etc

按:影片後來已經有錄製,請按此前往該文章 大鼓連踏篇示範影片

好了,然後我們看看這個

02_0.JPG 

要注意不要讓大鼓跑到第二下hihat的地盤了

02_1.JPG 

 

下面這個是非常好用也泛用的型態,小鼓後面黏大鼓

03_0.JPG

一樣,第2下hihat不要被大鼓影響到了

03_1.JPG 

 

打很多東西都一樣:先用嘴巴唱過一次譜,知道他聽起來是怎麼樣,然後再搭配腦海中鼓譜的概念去打。

04_0.JPG 

      

第一個小節可以看成2拍+2拍,其實是一樣的東西

 04_1.JPG

第二個小節看似很複雜,但其實就是:

04_2.JPG 

在打的時候可以拆開來想,但一定要把他連續,尤其是打的時候

 

接著這個是比較奇特的方式:

兩下大鼓都是在反拍

05.JPG 

一樣自己用分割去看他,同時記得hihat一定要穩定

大鼓的點要準確的落在對的位置上(跟hihat一起或是在兩下hihat正中間)

05_1.JPG 

   

然後是總驗收:

06.JPG

     

熟練了之後可以試著自己把他加快,或者是加過門、鈸,或者找音樂來搭

要挑戰自己的人,可以把部分的大鼓的點換成小鼓看看,難度會倍增喔!

同時要注意保持穩定,點要正確。

 

轉載自Lesson.15 - 大鼓拆解進階篇


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2014/01/01

﹝轉‧爵士鼓教學﹞Lesson.14 - 12/8節奏(Slow Rock/Gospel Rock)

練習到這邊,有沒有發現我們的節奏hihat都是以偶數去做切割?

4beat->8beat

那今天要介紹一種感覺比較特殊的節奏:12/8

台灣很多人稱他為Slow Rock,那其實它正確的名字叫做Gospel Rock

只是在台灣說Slow Rock會比較多人知道你在講什麼節奏

而12/8能不能稱為12beat呢?

這個有點爭議,基本上12beat、24beat是比較奇怪而且不正統的說法,比較像是私底下的叫法

我們先來看看第一小節

01.PNG 

有沒有發現很不一樣?  一拍打了3下hihat,那這邊可能有人會問啦

1/3=0.333份 不會平均阿?  所以我們把8/12的概念是把"1"份定為8分音符

1拍有3份,每一份都是"1",就不會出現0.3333....的情形了。

那如果一拍已經固定好了,那怎麼切割呢?  這個我們把它列在三連音的範疇,下一篇課程再提。

 

還記得華爾滋舞步嗎?  咚~掐~掐~咚~掐~掐~

打起來就有這樣的感覺(雖然其實節奏不一樣)

來聽聽看:

    

節奏的韻律是這樣的:123223323423 ,念一次看看吧

 

而節奏的變化,我們先練習變化大鼓就好,以後會介紹進階的變化

基本的參數
前半部適合放在1、3拍跟大鼓,後半部適合放在2、4拍跟小鼓

03-1.PNG

這圖也一樣,不過是連在一起的,一般而言比上面的難打

 03-2.PNG

下面這兩個開始有難度了,請保持hihat的穩定

並且心中要有掐掐掐掐的韻律感,重點音(重音)分別在1234拍的正拍拍點上

03.PNG 

   

 

大鼓又要變多囉,要非常非常注意,不要讓連續的兩下大鼓影響到整體速度穩定

04.PNG 

   

接下來這個是綜合練習,大鼓非常多、韻律感非常重,請先唸幾次、並且記住節奏的聲音

05.PNG 

 

也有人會把這些節奏叫做"拖曳",而也別小看上列大鼓比較多的節奏

那些可是很多搖滾樂的經典節奏型態

 

那我們現在來看看12/8的過門要如何作,其實非常簡單

過門原理跟概念和8beat之類的一樣,我們先來看兩種常用的

第一種:

06.PNG 

請在第四拍的時候,
把你打HIHAT的右手依序去打小鼓、中鼓1、中鼓2就可以了(速度慢的話)

 

第二種:

07.PNG

看出來了嗎?  其實就是四連音第二下不打的那個參數,再加上1下8分音符所形成的

 

做一些比較長的練習:

第11小節,因為一拍三下,手的順序是RLR.LRL.RLR.LRL

每拍的第一下會左右手互換,因為我們還沒提過3連音,所以先放慢速度都用右手打

當然可以的話,你也可以用正常的方式打(RLRLRLR...)

08.PNG 

第12小節,則是要注意過門最後那一下8分音符的長度,不要過短或是過快了

 

熟練之後,你也可以將這兩種混合,例如說分別放在第三拍和第四拍等等,

另外有沒有發現,這篇的節奏大小鼓仍然都是跟hihat在一起的,

跟我們一開始在學8beat節奏的時候一樣,然後後來又在練習不在一起的,

其實節奏的變化都有一定的模式,就看自己能不能體會到。

 適合一開始練習的歌曲是:周杰倫的「上海1943」

那12/8的切分音是屬於比較困難的東西,我們之後會再提到。

 

轉載自Lesson.14 - 12/8節奏(Slow Rock/Gospel Rock)


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2014/01/01

﹝轉‧爵士鼓教學﹞Lesson.13 - Funk節奏基礎篇

Funk節奏是屬於律動感非常重的一種節奏類型,主要的特色是有複雜的切分音的大小鼓,

一個小節裡面可能會有好幾個散落四處的16分音符的點,這種節奏對於拆神經的需求相當高,

請在練習這些節奏時,務必要注意自己在兩下hihat中間的點有沒有確實在中間

我們先來看看吧:

13_1.JPG 

首先要注意的是:

1.hihat打擊的速度是不變的,遇到在兩下中間的大鼓或小鼓要十分注意

2.點務必要準確,請先看譜用嘴巴唸幾次,然後跟音樂再唸幾次,

接著才是打節奏,這樣的練習流程十分重要

打的時候心理要想這個節奏的音樂、聽起來是怎麼樣,嘴巴會唸(唱)之後就是用手把他打出來

   

13_2.JPG 

在這邊有個容易錯誤的地方,就是圖中的綠框和紅框,以這個節奏來說

你要記得綠框之前是先 「雌咚」,然後才是綠框的「雌搭」,

接著紅框就是「大鼓和hihat同時打下去

只要能記住打出紅框,那個這個節奏應該就不會打錯了,另外示範音樂是正確的,請打的跟音樂一樣

一開始先放慢練習,然後慢慢提升跟示範音樂一樣快(示範音樂的速度是80),

之後最好是可以練到120以上(而且要很輕鬆)

 

接著我們再來分析一下這些節奏,有沒有發現兩個小節只有紅框處不一樣?

所以這是一個常見也常用的變化點,變一下紅框內的東西,整個感覺就不一樣了

13_3.JPG 

 

接下來是難度更高的:

13_4.JPG 

   

其實第三小節就是咚雌搭雌咚咚搭雌變來的,有發現嗎?

這兩個節奏的難度跟以前學的比較來高了很多,請要有耐心的慢慢練,把示範音樂聽熟

同樣的,這裡還有一個常見的變化點,下圖的藍框處

以我平常教學的經驗來看,前者是比較難的,後者比較容易打出來

13_5.JPG

 

再來看看其他幾個:

13_6.JPG 

 

 

下面的請注意第一拍,「咚‧雌咚搭」,這兩個節奏除了第一下大鼓和2、4拍的小鼓,其他的點都沒有跟hihat一起

13_7.JPG 

 

 

下面這個只是對第二拍後半的大鼓做變化,練習看看:

13_8.JPG 

 

 

練到這邊,辛苦啦!

打了10個小節Funk節奏有沒有比較清楚這種節奏的精神呢?

但是我們目前只是就節奏基本來說,Funk真正的精隨是在他的音樂律動

節奏要打的有音樂律動,最重要的元素就是輕重音啦,

可以試試看2、4拍的小鼓正常音量,

其他出現的小鼓都打小聲(專有名詞:Ghost Note,以後會提到)

 

另外Funk節奏也不只這10個而已,這篇打的只是一小部份

之後我們會再教你如何把Funk節奏變的更複雜,

例如使用短的樂句(可以想成是參數),然後再去對樂句做變化套用在節奏裡

13_9.JPG 

或是找出可以做變化的空隙,例如下圖的斜線分別是可以加小鼓和大鼓的空隙,

有些很適合加,有些不適合,或許你可以試試看在這些空隙填入音符,然後再打打看。

13_10.JPG

 

轉載自Lesson.13 - Funk節奏基礎篇


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